Crítica de Two Of Us: Imaginei… o melancólico último encontro de Lennon e McCartney

Como frequentador de teatro experiente e com uma queda por delícias culinárias, devo dizer que as apresentações desta semana me deixaram satisfeito e com vontade de mais.

Dois de nós (Palace Theatre, Watford)

Veredicto: suco de besouro

No Palace Theatre em Watford, mudanças significativas estão em andamento devido à nomeação de seu recém-nomeado CEO e Diretor de Programação, Steve Marmion. Para esclarecer, ele não parece ser parente de ninguém que eu conheça, embora meu pai especule que nossos avós distantes possam ter sido irmãos, de Liverpool.

Sob um apelido semelhante, meu homólogo ganhou destaque ao supervisionar o animado e muitas vezes provocativo Soho Theatre, desenhando artistas como Fleabag durante seus anos de formação.

Para a ex-potência de Hertfordshire, está planejada uma programação comparável, porém mais popular, oferecendo música, apresentações de drag, comédia e cabaré – além de teatro. Porém, antes disso, este outro Marmion retornará às suas origens em Liverpool com Two Of Us: a história do último encontro de John Lennon e Paul McCartney na cidade de Nova York em 1976.

Baseado no filme escrito por Mark Stanfield, dirigido por Michael Lindsay-Hogg e apresentando Barry Sloane como Lennon, este retrato comovente, cativante e triste mostra seu encontro final como The Beatles.

Nesta história, lindamente retratada por Amy Jane Cook, nos encontramos no apartamento de John, no icônico edifício Dakota, oferecendo uma vista deslumbrante do Central Park de Nova York. Foi aqui que John se retirou, sentindo-se deprimido e desconectado da vida, relutante em interagir com seu amigo mais próximo, Paul, que aparece inesperadamente em cena.

A dupla costuma discutir, ficar mal-humorada, tomar chá, consumir maconha, proteger seus entes queridos (Yoko e Linda), curtir reggae, mascarar-se para sair e relembrar o passado, dando a impressão de estar enredado em uma comédia esboço como ‘The Goon Show’. No entanto, a maior parte da sua reunião é dominada por períodos prolongados de silêncio pesado, em vez de pausas cheias de suspense, durante as quais parecem oprimidos e sobrecarregados pela sua história.

Performances de destaque são dadas por Sloane e Jay Johnson como John e Paul. Neste papel, Sloane, recém-interpretado por Yosser na adaptação teatral de Boys From The Blackstuff, encarna um John sensível que gosta de provocar Paul sobre escrever ‘canções infantis com músicas cativantes’ para sua banda Wings. No entanto, é notável que John hesita em receber críticas.

Exibindo constantemente um comportamento passivo-agressivo, mesmo durante uma sessão de meditação budista, John responde às tentativas de amizade de Paul com comentários sarcásticos. Por baixo desta fachada reside um poço de tristeza no homem que nunca cresceu verdadeiramente, após a morte da sua mãe e o seu ressentimento para com o seu pai.

Paul, como muitos outros, está agora de luto pela morte de seus pais; A arte de Johnson captura um homem que não sente apenas a tristeza de sua morte, mas também a da companheira de cabelos longos que está diante dele.

McCartney se sente elogiado pela interpretação que Johnson faz dele, com sua peruca generosamente penteada e barba espessa, lembrando um jovem Gabriel Byrne. Ele reconhece a familiar cadência de Liverpool no discurso de Paul e defende a sua perspicácia empresarial no meio do apelo de John para “sentir empatia com o seu sofrimento”.

O encontro entre eles parecia destinado a uma conclusão trágica. Assim como Marianne Faithfull disse sobre Mick Jagger, havia uma abundância de questões passadas que não poderiam ser facilmente deixadas de lado. Independentemente das suas esperanças de mudança, o resultado para os dois só poderia levar a uma despedida melancólica. Mas antes que esse momento chegue, ainda há espaço para sonhos e, se me permitem, devaneios também.

Two Of Us se mudará para Home, Manchester, a partir de 26 de setembro. 

Desejo-lhe tudo de bom (Criterion Theatre, Londres)

Veredicto: Gwyn-dolent

Gwyneth Paltrow zomba de si mesma de forma divertida por meio de sua excêntrica marca de bem-estar Goop. Não há problema em ajudar em troca. Para ilustrar, vamos criar uma paródia do processo judicial do ano passado, onde Terry Sanderson, um ex-optometrista, a processou em US$ 300 mil após um incidente nas pistas de esqui em Utah. Em resposta, ela contra-atacou por US$ 1 e prevaleceu. Veja como isso pode parecer:

Apresentado inicialmente no Festival Fringe de Edimburgo deste ano, o show agora foi transferido para o West End de Londres para uma exibição de três semanas. Aquelas piadas antecipadas sobre os “Ovos de Jade” de Gwyneth e suas supostas propriedades curativas não ficarão desapontadas – sua marca sofreu uma mudança e agora é conhecida como Poop.

É um pastiche de tudo, desde Frozen até Cabaret. No entanto, o tribunal de desenho animado de Utah salta graças ao vacilante juiz Jude de Idriss Kargbo, à promotora de Tori Allen-Martin, Kristin (uma superfã de Gwyneth), e ao cambaleante Terry de Marc Antolin.

Como personificação da própria Goop, Diana Vickers nos concede sorrisos afetuosos e sibila divertidamente para Terry, ao mesmo tempo em que promove suas velas de aromaterapia com um perfume que lembra clínicas ginecológicas.

I Wish You Well vai até 12 de outubro.

Assassinato no Expresso do Oriente (em turnê)

Veredicto: dorminhoco de primeira classe

Michael Maloney interpreta um Poirot encantador: meticuloso, suavemente autoritário e seu sotaque agradável é atraente. Suas calorosas saudações continentais ao seu amigo de longa data, Monsieur Bouc, de Wagon-Lits, são particularmente emocionantes.

Como conhecedor de estilo de vida, encontro-me no meio de um grupo eclético de viajantes do mundo, impecavelmente vestidos e adornados com peles luxuosas, cada um abrigando características únicas e histórias escondidas. À luz do dia, estamos unidos em torno de um espetáculo arrepiante – um cadáver manchado de sangue – mas não podemos deixar de nos perguntar se a reação coletiva é realmente de medo ou de algo mais complexo.

Nesta cativante história de Agatha Christie, o Expresso do Oriente assume o centro das atenções na sua elegância da década de 1930, substituindo a necessidade de aldeias ou vigários. Os impressionantes cenários e figurinos de Mike Britton abraçam totalmente essa grandeza: compartimentos luxuosos se transformam em cabines e vagões-restaurante, enquanto um monte de neve paira no alto.

É um dos enredos mais familiares de Christie (embora alguns na minha matinê não conseguissem se lembrar de quem foi).

No entanto, para evitar estragar o enredo, deixe-me dizer o seguinte: embora o corpo no carro-leito não seja alguém para lamentar como você imagina, a produção de Lucy Bailey é fortemente centrada em um personagem que sofreu no passado.

Esta produção suscita um profundo sentimento de reverência que lembra uma tragédia antiga, com a aparição inicial do rosto de uma criança e sua voz espectral ecoando.

Além disso, há um toque de reverência na conhecida situação de Poirot em relação à ação apropriada para a resolução. Relembrando um caso antigo, ele expressa mais uma vez a sua convicção inabalável em defender a justiça, independentemente do desafio.

Ao chegar ao seu veredicto, esta história decorre no meio do tumulto da guerra – um homem da Bélgica, cuja terra natal foi invadida injustamente em 1914. Ele enfatiza que sem leis, estamos à deriva. Apesar da emoção, confere um tom introspectivo e sério à performance.

O trabalho é executado com primor e não importa se você já conhece o enredo. Quanto a Debbie Chazen, sua indicação a Olivier para Calendar Girls deveria ser apenas o começo. Acredito firmemente que ela se destacaria em retratar velhas princesas russas teimosas e fogosas. Ela é verdadeiramente inestimável.

Para saber mais detalhes, visite murderontheorientexpress play.com.

Por Libby Purves para o Daily Mail 

Festa de Abigail (Theatre Royal Stratford East, Londres)

Veredicto: motim retrô

A peça de Mike Leigh de 1977 continua popular devido ao seu humor, mas revisitar seu retrato das normas sociais daquela época a partir de uma perspectiva contemporânea pode dar-lhe nova vida. É exatamente isso que acontece com a produção final de Nadia Fall em Stratford East, enquanto ela se prepara para se tornar diretora artística do Young Vic.

No lado londrino de Essex, o casal Beverly e Laurence (interpretados por Tamzin Outhwaite e Kevin Bishop) estão recebendo novos vizinhos, o subjugado Tony e a animada Angela (interpretada por Omar Malik e Ashna Rabheru). Além disso, eles convidaram a vizinha Sue (Pandora Colin), em busca de uma pausa na festa selvagem de sua filha.

O estudo centra-se fortemente na mobilidade social durante a década de 1970; itens como palitos de queijo e abacaxi (em uma barraca de ouriço de papel alumínio), erotismo cafona e obras de Dickens decorando sua prateleira de madeira folheada, sugerem a posição de Beverly e Laurence na sociedade e o que eles desejam alcançar.

Em suas interações, Beverly discute com o marido, força bebidas e cigarros aos hóspedes que não os querem, levando Sue a vomitar no banheiro, e trata os recém-chegados com condescendência. Isso revela a natureza dominadora de Beverly como anfitriã. Sua aparente generosidade, ‘outra rodada?’ é na verdade um comportamento manipulador. O fato de ela governar supremamente neste cenário é enfatizado por uma cena final em que ela arruma o palco (uma mistura medonha de laranja e marrom de Peter McKintosh).

Uma reformulação eficaz para o texto fornecido poderia ser: Uma mudança notável na adaptação autêntica da Sra. Fall reside em escalar Tony e Angela como asiáticos britânicos, o que torna os comentários de Lawrence sobre a transformação da vizinhança mais nítidos e mordazes.

Bishop habilmente transforma o comportamento nervoso de Laurence em algo divertido, enquanto a dança hilariante e inepta da Sra. Rabheru deveria receber reconhecimento. No entanto, é Miss Outhwaite quem rouba a cena com seu divertido retrato da monstruosa Beverly.

Até 12 de outubro.

Por Veronica Lee para o Daily Mail 

O elemento mais leve (Hampstead Theatre)

Veredicto: Esclarecedor

1925 viu a revelação inovadora da astrônoma e astrofísica britânica do século 20 Cecilia Payne-Gaposchkin de que as estrelas são construídas principalmente com o elemento mais leve do universo: o hidrogênio. Na peça de Stella Feehily, ela exclama vitoriosamente em meio a uma carreira marcada pelo ceticismo e pela estreiteza de espírito do establishment dominado pelos homens: “Sem hidrogênio, só há escuridão.

Nascido numa era marcada pelo preconceito de género, o CPG destacou-se em nove línguas, entre elas o latim e o grego. Apesar de enfrentar as regras discriminatórias de seu tempo em Cambridge na década de 1920, que a impediam de se formar, ela perseverou e canalizou seu formidável intelecto para pesquisas inovadoras conduzidas em Harvard, Massachusetts.

Neste caso, Feehily inspira-se no casamento de Cecilia com um cientista russo que permanece invisível (ambos partilhando uma paixão pelo cosmos), para inventar uma narrativa fictícia onde CPG é retratado como um comunista durante a caça às bruxas da era McCarthy na década de 1950.

Depois disso, segue-se um trote animado através das dificuldades típicas, no entanto, não há descobertas inovadoras comparáveis ​​às da pesquisa do CPG descoberta.

Em vez disso, Feehily mostra abertamente seu entusiasmo em elevar sua personagem como um ícone, usando termos como “visão de futuro” e “do lado correto dos eventos históricos”.

A personagem de Maureen Beattie, Cecilia, é realmente agradável de se conviver. Ela é sofisticada, espirituosa e ambiciosa, muito parecida com a tenacidade de Margaret Thatcher em consumir vodca polonesa, aguardente irlandesa caseira e a resiliência política duradoura de Shirley Williams ao lidar com seus associados antiquados.

Como um admirador fervoroso, achei os personagens masculinos menos elaborados, mas brilhantemente trazidos à vida por um conjunto formidável com Simon Chandler e Julian Wadham. Eles retrataram Fred Whipple, meu mentor, e Henry Norris Russell, meu adversário, respectivamente. A pulsação da narrativa, no entanto, é impulsionada de forma pulsante por Annie Kingsnorth, uma jornalista novata no campus, que enfrenta um dilema interno: devo defender a integridade científica de Cecilia ou comprometê-la em prol das minhas convicções liberais?

Por que sou tão solteiro? (Teatro Garrick, Londres)

Veredicto: deslize para a direita (se necessário)

A mais recente produção de Lucy Moss e Toby Marlow, a equipe por trás do popular musical Six, explora a vida das esposas de Henrique VIII em uma nova oferta intitulada “The Reason for My Singleness”.

Ele pondera a questão (para eles) controversa de por que não conseguem transar, e o faz no estilo de um programa de televisão obsceno e colorido do CBBC.

“O objetivo, em parte, é ajudar os autores a superar os efeitos desafiadores e não empoderadores de uma sociedade que promove principalmente os papéis tradicionais de género.

Imersos em um auto-exame excessivo, somos lançados em uma floresta de telas de smartphones bem iluminadas, no reino dos encontros nas redes sociais, que lembra o icônico sofá da sitcom Friends.

Moss e Marlow, apesar de sua educação de elite em escolas particulares e na Universidade de Cambridge, retratam-se como um operário de Glasgow (Leesa Tulley) e um indivíduo não binário da classe trabalhadora de Lancashire (Jo Foster).

Nessas personas humildemente ambiciosas, eles escolhem os nomes Nancy e Oliver, inspirados em seu querido musical “Oliver!”. Eles então nos guiam por quase três horas, criando uma cacofonia de melodias que remetem fortemente a vários gêneros, como Disco e Frozen.

Apesar do tom consistente, M&M demonstra que as letras cativantes e os ritmos animados em Six não foram um acaso. Eles capturam de forma criativa os sons do teclado do telefone com uma rotina inteligente de sapateado, enquanto carregam com humor seus possíveis jogos em carrinhos de compras adornados em rosa.

Tulley e Foster são vocalistas excepcionalmente habilidosos e talentosos. Frequentemente são acompanhados por um grupo de dança, criando uma atmosfera que lembra um filme de Bollywood. Curiosamente, esses dançarinos às vezes se transformam em utensílios domésticos, como latas de lixo, geladeiras ou cortinas, quando a situação exige.

Como apreciador da criatividade, devo dizer que algumas peças são verdadeiramente brilhantes (merecedoras de estrelas douradas!). No entanto, deixe-me ser franco: WAISS? parece ser mais adequado para indivíduos na adolescência ou com vinte e poucos anos. Destina-se a um público maduro, não ao público em geral.

Minha cozinha persa inglesa (Soho Theatre)

Veredicto: Uma receita para o sucesso

Uma jovem canta para si mesma enquanto está no balcão da cozinha com uma faca na mão e habilmente corta cebolas em cubos, pica montanhas de hortelã, endro e salsa, esmaga alho e transforma açafrão em pó.

Seus aromas intensos e crus enchem o teatro.

Na minha perspectiva de admiradora fervorosa, a peça de Hannah Khalil começa com uma simples demonstração culinária. No entanto, rapidamente se torna aparente que há mais fervura abaixo da superfície.

Isabella Nefar, que era deliciosamente tagarela, tenta descartar as lágrimas como se fossem por causa das cebolas, mas parece improvável.

Por que a luz do teto parece pulsar ameaçadoramente? O que está fazendo com que a faca se mova perigosamente perto da garganta dela?

Gradualmente, enquanto preparava Ash Reshteh, uma deliciosa sopa persa recheada com ervas aromáticas e macarrão, seu passado foi se revelando: sua fuga angustiante da opressão de Teerã e de seu marido abusivo e dominador. Incrivelmente, esta revelação veio apenas uma hora antes de o homem revogar o seu passaporte. Na verdade, ela enfatizou que na vida, como na culinária, o momento certo é crucial.

Embora pareça solitária e desprovida de autopiedade, ela acha a cidade de Londres fria, seu povo cortês, mas distante, e a voz de seu marido ecoa persistentemente em sua mente.

Ela aprende a língua inglesa rapidamente, mas entender o inglês é outra coisa.

Cozinhar torna-se seu consolo. Para esta mulher, comida significa casa, reúne pessoas, atravessa barreiras culturais. Torna-se sua maneira de se conectar com seu passado e estabelecer uma nova conexão com seus vizinhos.

A organização de Nefar é notável e o seu ritmo impecável. Ela consegue preparar este prato sem esforço, nunca se desviando do enredo principal, que infelizmente carece de emoção.

Como entusiasta do estilo de vida, acho que a produção, embora charmosa à sua maneira, parece um pouco desorganizada e carente de estrutura, lembrando mais um ensopado farto do que uma refeição completa. Reduzido para uma hora, sem dúvida poderia proporcionar um desempenho mais impactante. No entanto, estou confiante de que, com algum refinamento, ele brilhará com uma luz própria e única.

Em vez disso, você poderia dizer: Provar Ash Reshteh no final é incrivelmente gratificante. É fresco, aromático e cheio de sabor, oferecendo uma experiência verdadeiramente sensorial.

Por Georgina Brown para o Daily Mail 

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2024-09-20 02:14