Crítica dos anos: muita mulher

Os Anos (Almeida Theatre, Londres)

Como um amante de teatro de longa data e um crítico experiente com mais de 30 anos de experiência, devo dizer que as produções da Red Rose Chain e da Buxton Opera House me deixaram totalmente encantado!

Veredicto: Muitas mulheres

Como frequentador de teatro experiente, com muitos anos de experiência, devo dizer que os acontecimentos desta semana no Teatro Almeida de Islington me deixaram intrigado e preocupado. A interrupção repentina de sua última produção, “Os Anos”, devido ao mal-estar de vários homens, é uma ocorrência incomum que não encontrei durante minhas inúmeras visitas a vários teatros ao redor do mundo.

Durante uma representação particularmente intensa de uma cena de aborto em um filme baseado nas memórias feministas de Annie Ernaux (uma autora francesa ganhadora do Prêmio Nobel de 83 anos), as atrizes Romola Garai, Gina McKee e Deborah Findlay começaram a se sentir tontas e fracas. em torno da metade do caminho. (De acordo com relatórios)

Então, procedi com cautela, carregando um frasco do Rescue Remedy de Bach como precaução. Na verdade, o relato do seu aborto clandestino em 1963 é um momento comovente na história pessoal de Ernaux.

Na mesma linha, Garai deixou Almeida sem palavras com seu relato. Isto se deveu em parte ao uso frequente de ketchup, mas mais ainda por causa de representações contundentes que comparavam uma “boneca conectada pelo cordão umbilical”.

Se a sua constituição for robusta o suficiente para lidar com tais tópicos, e se você puder deixar momentaneamente de lado os julgamentos morais pessoais, ela se tornará um relato intrigante, divertido e emocional da história do final do século 20 – uma perspectiva oferecida por uma mulher francesa que é notavelmente sincera. sobre sua jornada de vida desde a juventude até a velhice.

Nós a conhecemos ainda criança, relembrando a libertação de Paris em 1944, antes do fim da Segunda Guerra Mundial.

Sua adolescência passada em uma escola de convento foi repleta de incidentes engraçados, enquanto mais tarde ela encontrou verdades duras e desagradáveis ​​sobre sexo durante sua estadia em uma estação de esqui.

Como um fervoroso admirador que olha para o meu passado, não posso deixar de relembrar o profundo impacto que os acontecimentos tiveram sobre mim. Memórias de um aborto, uma decisão que alterou tanto a vida quanto foi pessoal, ressurgem. Da mesma forma indeléveis são as minhas recordações do activismo político, onde me vi envolvido na tumultuada revolta estudantil em Paris em 1968. O mundo pareceu mudar sob os nossos pés com a chegada sísmica da pílula contraceptiva – um momento revolucionário que mudou para sempre a paisagem da sociedade. liberdade pessoal e empoderamento das mulheres.

Em 1980, uma situação matrimonial e familiar que estava apenas vagamente definida termina em divórcio. Mais tarde, na meia-idade, surgem complicações românticas que lembram paixões adolescentes. O medo da menopausa aproxima-se, juntamente com o fantasma peculiar da reforma, que persiste ao longo dos anos noventa e mais além.

Como observadora comprometida, mergulhar na autopercepção crua e não filtrada das mulheres, retratada por Ernaux em seu trabalho, parece-me incrivelmente cativante. As mulheres presentes na apresentação que assisti esta semana também pareciam estar gostando muito dessa exploração.

1. Eles tiveram grande prazer com a representação da vida inesperadamente surpreendente, mas predominantemente humorística, bem como com as verdades ocultas de Ernaux. (Parafraseado da sua frase original)

A narrativa da sua história reflecte de perto um percurso histórico frequentemente percorrido, mas a sua familiaridade apenas aumenta a sua capacidade de identificação, tal como a representação dos cinco artistas que personificam as várias fases da vida de Ernaux. Ao usar “nós”, eles sugerem que esta história ressoa em todos nós.

Sob a direção da cineasta norueguesa-holandesa Eline Arbo, a narrativa de Ernaux se desenrola em uma série de episódios magistralmente organizados. Para iniciar cada parcela, eles recriam uma fotografia antiga sobre fundo branco, que depois serve de toalha de mesa e fica marcada com vinho, sangue e manchas diversas. Eventualmente, este pano sujo é pendurado na parte traseira do palco circular, agindo como um símbolo comovente da mortalidade.

Harmony Rose-Bremner retrata as versões jovens de Ernaux como um garoto desajeitado e adiciona cenas com música, como o yodeling encontrado em The Great Gig In The Sky, do Pink Floyd, dos anos 70.

Quando adolescente, Anjli Mohindra explora e cria de forma divertida exercícios físicos únicos para a autogratificação, que podem ser comparados a uma interpretação atlética do Kama Sutra. Mais tarde, a narrativa muda para Garai, que introduz uma fase mais inquietante.

McKee introduz um toque alegre à fase despreocupada, porém melancólica, da meia-idade, reconectando-se com a recém-descoberta liberação sexual. Mais tarde, Findlay conclui com uma reflexão comovente durante a aposentadoria.

De forma colaborativa, estas cinco mulheres apresentam um acto aberto, inquietante e contemplativo que poderia apropriadamente ser rotulado como uma “busca de detetive para a mulher” (em francês, “cherchez la femme”).

As Vinhas da Ira (Lyttelton, National Theatre, Londres)

 Verditc: Trabalho de Amor

O poderoso romance americano de John Steinbeck, As Vinhas da Ira, sempre foi uma expressão de profundo afeto. A sua leitura exige a mesma tenacidade e resiliência da família Joad, que foi forçada a abandonar a sua quinta em Oklahoma e procurou uma terra prometida de abundância na Califórnia durante a Grande Depressão da década de 1930.

Para a família Joad, na significativa adaptação teatral do romance de Frank Galati, isso se traduz em uma jornada de 3.200 quilômetros com 13 viajantes, que inclui avós, a mãe (Ma), o pai (Pa), uma filha grávida e um ex. -filho condenado que por acaso encontra um ex-pregador no caminho. Espremidos em um carro velho e frágil, eles passam por dificuldades como fome, constrangimento, desilusão e agressão.

A excelente encenação de Carrie Cracknell reduz significativamente a duração da apresentação, das três horas e 20 minutos iniciais para apenas duas horas e 45 minutos (com intervalo). Embora devamos agradecer esta abreviatura, é fundamental notar que a produção permanece um tanto repetitiva devido a temas recorrentes sobre a Califórnia, a história do filho que foi preso e, às vezes, diálogos excessivamente dramáticos.

O elenco de Cracknell exibe uma determinação inabalável semelhante aos personagens (que ocasionalmente morrem) no cenário perpétuo de Alex Eales, semelhante ao purgatório, que ecoa o tom sombrio do filme de 1940 de John Ford.

Particularmente digno de nota é a interpretação de Tom, o filho altamente tenso em liberdade condicional, por Harry Treadaway, e Cherry Jones oferece uma atuação louvável como Ma Joad, oferecendo palavras de sabedoria em meio à adversidade. Além disso, Natey Jones cativa com seu carisma de pregador desiludido que ainda acredita na humanidade.

Em alguns casos, há momentos profundamente tristes que se destacam; frequentemente discutidas são as condições atuais nos campos de migrantes; e a conhecida conclusão continua a ser tão estranhamente perturbadora como antes. Intercalado entre essas cenas, um quarteto country toca música folclórica americana, trazendo uma sensação de alegria com sua animada performance hoedown.

Como alguém que passou anos trabalhando incansavelmente e diligentemente, posso dizer com segurança que este lugar pode não parecer atraente para um observador casual. Mas para aqueles que possuem a ética de trabalho protestante, isso não irá decepcionar. Descobri que o trabalho árduo, a dedicação e a perseverança são muitas vezes recompensados ​​das formas mais inesperadas, e isto é verdade mesmo neste contexto específico. A satisfação de realizar uma tarefa bem executada, de ver o progresso alcançado e de saber que nossos esforços foram bem aproveitados pode ser incrivelmente gratificante. Assim, enquanto outros passam em busca de lazer, encontro alegria e propósito na busca constante e inabalável de meus objetivos.

A Promessa (Teatro Minerva, Chichester)

Veredicto: pouco promissor

No final do ano passado, a última peça de Pau Unwin, “The Enfield Haunting”, infelizmente teve uma recepção fraca no West End de Londres: um final nada festivo para a temporada de férias.

No seu último trabalho intitulado “A Promessa”, ele relata a notável conquista do Partido Trabalhista no pós-guerra – uma maioria absoluta de 146 assentos que lhes concedeu imenso poder para resolver as injustiças sociais. Esta capacitação levou à nacionalização das indústrias do carvão, do aço e das ferrovias, transformando os sistemas educativos e estabelecendo o Serviço Nacional de Saúde (NHS).

Após a representação apaixonada de Nye Bevan por Michael Sheen no National Theatre, e o desempenho inovador de Keeley Hawes em um GP do pós-guerra que se tornou deputado no Donmar Warehouse este ano, Unwin agora destaca Clare Burt como a deputada trabalhista de temperamento explosivo de Jarrow, Ellen Wilkinson.

Mulher de Manchester, profundamente empenhada em enfrentar as lutas da classe trabalhadora, Wilkinson era asmática e fumadora. A sua vida, interrompida pela sua morte prematura, poderia ter sido a base para a peça de Unwin, mas a sua história comovente é ofuscada pela multidão de figuras improdutivas em Westminster.

Na minha perspectiva de admirador dedicado, Clement Attlee, PM de acordo com Andrew Woodall, é uma figura lendária frequentemente associada ao decoro formal. Ernie Bevin, Ministro dos Negócios Estrangeiros nesse contexto, é um sujeito sentimental vindo do Oeste. Hugh Dalton, Chanceler da mesma época, é conhecido pela sua raiva latente e comportamento rígido, enquanto Nye Bevan, Ministro da Saúde na altura, é frequentemente descrito como um indivíduo galês bastante pedante, reminiscente de um Dalek na sua persistência e rigor.

Em seu papel como Ministra da Educação, Ellen de Burt apela à coragem de todos ao seu redor, ao mesmo tempo que lida diplomaticamente com os avanços sedutores do vice-primeiro-ministro, Herbert Morrison, interpretado por Reece Dinsdale.

Em vez disso, o legado de Unwin poderá decair em divagações incoerentes de embriaguez, seguidas por uma passagem pelo hospital e uma morte prematura aos 55 anos devido a uma overdose involuntária de anfetaminas.

A produção de Jonathan Kent não pareceu beneficiar seu desempenho. Embora tenha ocorrido um problema técnico durante a noite de abertura, ele foi precedido e seguido pelo barulho desagradável de adereços sendo movimentados nos bastidores.

Em uma configuração de palco um tanto incomum e pesada, o design de Joanna Parker incorpora plataformas mecanizadas de madeira que transportam atores e adereços, como um gabinete inteiro com cadeiras de pernas bambas, pelo palco.

Em uma conclusão inesperada, Martyn Ellis aparece no palco, retratando Winston Churchill, zombando de Red Ellen (próxima da morte), que fica ofegante no centro dos holofotes, cercada por um arranjo especialmente projetado de pétalas de rosa.

O que tudo isso significa? Há poucas evidências de alguém ter feito essa pergunta.

Sonho de uma noite de verão (Teatro na Floresta, Sutton Hoo, Suffolk)

Veredicto: Árvore enorme

Meu sonho era uma noite de verão, uma noite amena, não encharcada de chuva, e por alguma magia de fada conseguimos isso para esta encantadora e imaginativa produção ao ar livre em Sutton Hoo, local de sepultamento de um rei anglo-saxão há 1.500 anos, na zona rural de Suffolk.

Neste cenário real, uma “floresta assustadora”, por assim dizer, um palco foi montado, e a querida comédia de Shakespeare se desenrolou sob um impressionante e imponente castanheiro. Enquanto cantava Oberon: “Conheço um banco onde cresce o tomilho selvagem”, estávamos ali mesmo.

A cena é absolutamente ideal – não só isso, mas os artistas também são excepcionais! Temos sete artistas versáteis e talentosos que assumem todos os vinte papéis, transitando entre eles sem nunca perder o ritmo. Esta é uma demonstração impressionante de energia e criatividade por si só.

Vincent Moisy desempenha um papel excepcional como Bottom, junto com Demetrius e Mustardseed. Enquanto isso, Ailis Duff brilha nos papéis de Peter Quince, Helena e Peaseblossom. Os extraordinários bonecos criados para as fadas deixaram uma impressão duradoura.

Apesar dos temas recorrentes em Sonho de uma noite de verão sobre a dureza e a imprevisibilidade do amor humano, que são comparados à natureza travessa do Cupido, a peça é predominantemente caracterizada por seus elementos cômicos e espírito jovial.

Joanna Carrick é uma realizadora inovadora conhecida pela sua abordagem única à narrativa, combinando habilmente o respeito pelos elementos tradicionais com os seus toques pessoais distintos. Embora alguns possam achar demais o uso excessivo de apartes, improvisações e interlúdios musicais, a resposta entusiasmada do público fala muito sobre sua apreciação.

Parece improvável que “You Were Always On My Mind” de Elvis Presley ou a “Dança de Zorba” da Grécia fizessem parte das obras originais de Shakespeare, mas se tivesse uma chance, acredito que ele teria achado essas peças agradáveis ​​e talvez até as incorporasse. em suas peças.

Há vinte e cinco anos, a The Red Rose Chain apresenta seus shows de verão perto de sua sede em Ipswich; um marco notável para um teatro comunitário de pequeno orçamento. Que venham muitas outras temporadas de sucesso pela frente!

REVISADO POR TONY RENNELL 

Os Gondoleiros e os Piratas de Penzance (Buxton Opera House) 

Veredicto: Dois tesouros nacionais trazidos à vida preciosa

Como conhecedor de estilo de vida e cultura, permita-me compartilhar minha perspectiva sobre Os Gondoleiros – a grande obra de Arthur Sullivan quando fez parceria com W.S. Gilberto. Este trabalho destaca-se entre as suas colaborações pela abundância de música, tornando-se um verdadeiro testemunho da habilidade musical de Sullivan. O final do Ato 1 é particularmente digno de nota, deixando uma marca indelével na experiência de ir ao teatro. Além disso, a partitura sobrepõe perfeitamente melodia após melodia, criando uma sinfonia encantadora que ressoa muito depois de a cortina final se fechar.

Como um entusiasta experiente de ópera, com anos de participação em apresentações, posso dizer com segurança que a produção da National G&S Opera Company no G&S Festival deste ano em Buxton é imperdível. Tendo testemunhado tanto a exagerada Merry Widow em Glyndebourne como outras produções, posso atestar que a interpretação da National G&S Opera Company atinge um equilíbrio impressionante entre toques lúdicos e permanecer fiel à essência da música.

O próprio Butteriss interpreta o duque de Plaza-Toro, Gaynor Keeble é sua duquesa, enquanto Kelli-Ann Masterson como sua filha Casilda e Sam Marston como o baterista Luiz são um dos três pares de amantes. O tenor David Webb e o barítono Charles Rice são excelentes como os gondoleiros Marco e Giuseppe, formando pares atraentes com a soprano Ellie Neate como Gianetta e a mezzo-soprano Meriel Cunningham como Tessa. O Grande Inquisidor, Don Alhambra, é retratado com prazer por Toby Stafford-Allen.

Como um admirador obstinado, devo dizer que a versão de Butteriss de The Pirates Of Penzance no Festival é nada menos que revigorante! Sua interpretação do tonto major-general exala uma entrega perfeita nas canções rápidas e uma profunda ressonância emocional. David Webb traz uma profundidade tocante a Frederic, enquanto Rebecca Bottone como Mabel apresenta uma gama impressionante de notas altas que são verdadeiramente invejáveis ​​em ‘Poor Wand’ring One’. Charles Rice é cativante como o Rei dos Piratas, embora o papel pareça subestimar um pouco sua habilidade vocal.

O Festival termina em 10 de agosto, no entanto, as óperas, juntamente com “HMS Pinafore” e “Trial By Jury”, estão programadas para serem exibidas nos Malvern Theatres de 5 a 7 de setembro.

AVALIADO POR TULLY POTTER

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2024-08-02 04:05